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Gruppo Fotografico Luce Iblea si trova qui: Gruppo Fotografico Luce Iblea con Fabiola Di Maggio e Michele Di Donato.

5 giorni fa

La grandezza dell'uomo si misura in base a quel che cerca e all'insistenza con cui egli resta alla ricerca.(Heidegger)

Con questa traccia, voglio ringraziare e lo faccio a nome di tutti i soci del Gruppo Luce Iblea, il nostro carissimo Amico Michele Di Donato che, accompagnato dalla curatrice di FAUTOGRAPHY, Fabiola Di Maggio, ci hanno regalato una bellissima serata ricca di fotografia, facendoci "immergere" totalmente nei meandri dell'anima, ..lasciando che scoprissimo quanto siano importanti le tracce, le forme e il "peso" del NERO sul BIANCO che diventano sostanza e che rendono "giustizia" alla sua continua ricerca fondata sul culto del Bianco e Nero ma che non sdegna, anzi, quel Colore che diventa per certi aspetti la sublimazione dell'immagine stessa nonostante i temi proposti.
Grazie Grazie Grazie!! ... MostraNascondi

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Gruppo Fotografico Luce Iblea è con Fabiola Di Maggio e Michele Di Donato.

4 settimane fa

Il Quattro Dicembre ?? ... da non perdere!

L'Ospite al Gruppo Fotografico Luce Iblea [🔴]
è Michele Di Donato che ci presenterà il suo primo libro © "FAUTOGRAPHIE".

(aperto al pubblico a ingresso gratuito)

..a seguire, alcune tracce di presentazione.

“Il potere che queste fotografie hanno di superarsi iconograficamente per significare anche qualcos’altro, risiede in quella magia, o meglio in quella utopia, che si chiama arte. E l’arte è tale se possiede un requisito fondamentale: la libertà. Libertà è la condizione che caratterizza la fotografia di Di Donato: libertà nella e della predisposizione visuale; libertà di comporre l’immagine, ovvero di farla verificare prevedendola e intrappolandola nell’obiettivo; la libertà che ogni immagine deve avere di cadere nell’errore; libertà di intersecare e connettere forme, spazi, tempi e soggetti esattamente come farebbe uno sciamano.”
Fabiola Di Maggio

“I fotogrammi voluti e ricercati da Michele Di Donato in “Fautographie” trasformano la luce in ombra luminosa e le ombre in luci labirintiche che inseguono i meandri della coscienza come in uno specchio ustorio , ricamano le scene di un teatro che riguarda il presente di una umanità che si cerca in altro luogo e in altro tempo dove forse è possibile incontrarsi , attraverso la memoria del proprio vissuto , nello spazio perduto; e ogni volta la scena è il teatro del mondo .”
Piero Longo ... MostraNascondi

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Gruppo Fotografico Luce Iblea

4 settimane fa

Mostra Fotografica di Michele Di Donato
Testo: Fabiola Di Maggio ©
per Gruppo Luce Iblea [🔴]

THE SOUND OF SILENCE
Visioni fotoespressionistiche della disabilità

«La fotografia è un’evidenza spinta, caricata, che sembra caricaturizzare non già la figura di ciò che essa ritrae (anzi, è proprio il contrario), ma la sua stessa esistenza»

Roland Barthes

«Il silenzio, quando non è scelto, è pieno di echi sinistri, tracce di richiami falliti, di grida soffocate, di segnali di fumo che il vento ha disperso»

Dacia Maraini

Sentire e toccare anche per vedere. Guardare e tastare anche per ascoltare. Mani anche per parlare. Ascoltare e guardare soli mezzi per camminare. Dire o guardare, spesso, unici modi per fare, per essere.
In questo passaggio di differenze, similitudini, dissociazioni, necessità, combinazioni e adattamenti legati a impossibilità fisico-sensoriali naturali o accidentali, si muovono le venti istantanee della serie The Sound of Silence realizzate da Michele Di Donato. Per l’artista:

«La condizione, intrinseca e vera, della disabilità è qualcosa di molto sottile e invisibile. Ci si sente vulnerabili, nudi, non si sta bene col mondo e si incrina la visione stessa della realtà. È come stare nudi, allo scoperto, senza riuscire a coprirsi. Tuttavia, il concetto stesso di fragilità nella disabilità è anche una dimensione di delicatezza e bellezza che richiama alla mente le ali di una farfalla: sono delicate e belle, ma anche fragili ad un semplice tocco.»

I soggetti fotografati, come ombre del teatro di figura o spettri, sono intrappolate, avviluppate da ostacoli materiali, funzionali all’espressione dello scatto, quali veli, tende, pellicole trasparenti e perfino il buio, cupo e robusto, che fodera la figura e allo stesso tempo la delinea. Queste barriere sono anche degli involucri, frontiere tra sé e lo spazio di fuori: veri e propri schermi che alludono ai gusci nei quali i disabili si ritraggono e risiedono.
The Sound of Silence è un manifesto fotografico neoespressionista che trova chiari riferimenti estetico-formali nelle “rayografie” dada-surrealiste di Man Ray. Per raccontare la fragilità, le paure demolenti e l’impressionabilità insite in ogni tipo di disabilità, Di Donato ritrae urla strozzate, silenziate alla maniera dell’espressionismo pittorico di Edvard Munch e Francis Bacon. Alcune fotografie alludono all’esistenzialismo inciso nelle sculture di Alberto Giacometti: presenze mute, gracili ma salde, smarrite nel tormento di esistere che, come mani o braccia, simili alle tante scolpite dall’artista svizzero, si protendono verso qualcosa che non potranno mai afferrare. Si percepiscono così le inquietudini, le solitudini, i disagi che intagliano le pieghe dell’anima e della vita stessa di queste persone, poste quotidianamente di fronte ai propri limiti, con evidenti accenni alle sperimentazioni psicologiche e introspettive di Lucien Freud e a quella fredda incomunicabilità che restituisce l’immagine raggelata di realtà estranianti.
Dall’arte al cinema, l’occhio di Di Donato è intriso, sin dall’infanzia, delle immagini dei film di Friedrich Wilhelm Murnau, con il suo espressionismo tenebroso e sovrumano, fatto di deformazioni e allucinazioni che rendono la realtà sospesa e incerta, ciò nonostante manifesta. Infine, Gli scatti di The Sound of Silence tradiscono anche l’influenza che i film sull’incomunicabilità, sull’alienazione e sul malessere esistenziale di Michelangelo Antonioni hanno avuto sull’artista, come anche l’eco del cinema e della fotografia di Wim Wenders quali media che raccontano per immagini «l’atto di vedere» in chiave evidentemente personale.
Nell’intessere una significativa rete iconologica con tali riferimenti, Di Donato li attraversa e struttura dei frame visuali sui quali l’obiettivo della macchina si posa per imprimerne le forme e trasmettere le idee in esse contenute. Partendo dalla consapevolezza che la disabilità, oltre che essere un ostacolo fisico, è nondimeno un nemico psichico, l’artista privilegia ed esaspera questo lato emotivo deformando l’immagine per tracciarne le sembianze soggettive, espressive ed emozionali dalle quali compaiono metafore e metonimie del dolore: forme corporali larvali, alieni e fantasmi.
Gli scatti di The Sound of Silence sono essenze di dolore che riflettono sofferenze e disagi nascosti, invisibili e non detti, che tuttavia si vedono e si sentono e, per questo, non lasciano lo spettatore indifferente. Le disabilità sono esperienze psico-fisiche chiaramente oscure, vere e proprie «crisi della presenza», per dirla con Ernesto De Martino. Eppure, da questi stalli neri Di Donato estrae una luminosità, una forma per il loro riconoscimento, per la loro ricezione e comunicazione, in sintesi, per la loro risoluzione.
Quale mezzo migliore, dunque, se non quello fotografico, per rendere visibile l’intimità segreta e oscura della sofferenza accarezzata da barlumi di speranze, aspirazioni, tentativi, opportunità, spesso, solo sfumate utopie? Ed ecco che l’artista sembra quasi aver realizzato delle pellicole schermografiche che fotografano il corpo e al contempo lo attraversano per far comparire e mettere in evidenza le forme informi, astratte e incorporee dell’afflizione.
Questo portfolio dal carattere neoespressionista è estremamente distante dalla fotografia tradizionale. L’esito dell’immagine è completamente sperimentale e capovolto rispetto alla chiara rappresentazione della realtà a cui la fotografia ci ha abituati. Di Donato, togliendo spazio al contesto, mette in primo piano le proprie idee che diventano soggetti primari dello scatto e del progetto visuale tout court.
Il fotoespressionismo, come dimostra agevolmente la serie in oggetto, disegna con la luce forme che esistono già nella mente dell’artista, il quale le ha immaginate e poi realizzate. Per questa ragione, la fotografia espressionista si avvicina molto alla pittura nella resa astratta e personale dell’immagine, dove la luce e il concetto sono insieme tela, tavolozza e pennello.
Di Donato calibra esattamente, come farebbe un pittore, il gioco del bianco e del nero. Il buio in questi scatti non è un’assenza o una sottrazione della luce, ma un condensamento mimetizzato della componente luminosa. La luce riflette come un bagliore lunare che rifila i soggetti dal buio circostante delineandone sinteticamente le forme a volte corrugate, sciolte, ermetiche, opache o sfocate. Al tempo stesso, l’oscurità stessa erompe dalla massima coagulazione della luce. Dunque, la pregnanza del raggio luminoso, come fosse un lampo, si concentra analiticamente in alcune parti della fotografia, originando, da un’estensione sfavillante, la concentrazione in se stessa che si mostra solo attraverso lo spessore imperscrutabile dell’oscurità.
Un fuoco nero o uno specchio opaco, quindi, quello che attira, assorbe e manifesta le figure fantasmatiche di The Sound of Silence: volti, busti, profili, mani, gambe, sguardi tesi tra la sventura delle amare condizioni in cui pongono le disabilità e le stesse virtualità di queste ultime in quanto, nella maggior parte dei casi, le disabilità si ritrovano a essere compromessi del corpo e dei sensi con il corpo e con i sensi, dove il “meno” deve necessariamente essere e farsi “più”.
Con The Sound of Silence Michele Di Donato propone un punto di vista originale e toccante sul concetto di disabilità. Un’esposizione espressionista di impressioni su un tema delicato, intricato e sicuramente difficile da dipanare. L’artista, attraverso distorsioni dell’immagine, ha provato a scrutare il daemon dei disabili che, a sua volta, altera la percezione della realtà di chi è affetto da qualsiasi forma di handicap.
La lettura delle fotografie non segue un ordine stabilito. Eppure non si può non cogliere il filo rosso che collega il primo e l’ultimo scatto del portfolio che si apre e si chiude con una parabola della visione: da una parte, riuscire solo a vedere, dall’altra, cercare disperatamente di vedere. Da questa polarità incentrata sulla vista, considerata normalmente il senso preminente rispetto agli altri, la riflessione sulle impossibilità che tutte le disabilità implicano si fa concettualmente più complessiva ed esistenziale. Di fatto, la disabilità è un limite, un’instabilità, più o meno immutabile, che ogni essere umano può trovarsi a combattere durante la propria vita.
Ed è proprio questa la considerazione ultima a cui The Sound of Silence ci conduce. Sarà più facile, così, percepire le vibrazioni di queste fotografie, per porsi – come direbbe Wim Wenders – in «ascolto del vedere», e in connessione, perfino, con tutte quelle volte che un profondo silenzio ha risuonato in noi o da altri ci è giunto. ... MostraNascondi

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Gruppo Fotografico Luce Iblea

4 settimane fa

"l'ospedale di tutte le guerre" Alessio Mamo ©
Testo di Marcella Burderi ©
Gruppo Luce Iblea [🔴]

Parlare della guerra per chi non l’ha mai vista è come cercare di spiegare il sapore di un frutto mai mangiato, o cercare di descrivere paesaggi mai visti. Suoni mai uditi. Già perché per fortuna “la guerra” è per molti di noi un concetto astratto lontano, remoto. Ma un tentativo ci viene chiesto, anche solo un tentativo. Come ci si sente in guerra? cosa vuol dire? Beh a questo punto non ci resta altro che immaginare per similitudine, cercare di trovare paragoni in ciò che a noi è più noto e provare a supporre cosa si prova partendo da ciò che conosciamo Forse cadere intrappolati in guerra è come la nudità? È nudità ma non nell’accezione di semplicità piuttosto sinonimo di “spoliazione forzata”. Nudità non come verità ma come mancanza, come inquietudine, come sottrazione. Nudità non dell’anima…no ma proprio del corpo. “Povertà esposta”. Mostra di membra imperfette in un mondo di patinata perfezione. Vergogna per ciò che non abbiamo, per ciò che non siamo, sminuendo nel paragone con il perfetto ostentato anelato e mai raggiunto. Nudità forzata che genera muto ripetere di singhiozzi. Negli scatti di Alessio Mamo però tolta la veste a chi guarda, a chi guarda resta ancora molto da scoprire. Nudo ti ritrovi ferito delle stesse ferite che non ti fanno male al corpo, no, non nel corpo. Forse trovarsi imbrigliati in guerra è come l’umiliazione.. svalutati, valutati per difetto in questa esistenza di voti in dieci decimi di plastica uguali per tutti. Mortificati nell’errore, sbagliamo e non ci è concesso sbagliare e dunque non c’è perdono. Non c’è perdono perché non c’è alternativa. Via d’uscita interdetta. Incastrati in rettangoli di lati perfetti senza margine di errori. Negli scatti di Mamo tolta la vergogna a chi guarda, a chi guarda resta ancora margine per la mortificazione per ciò che potevi fare e non hai fatto, per i gesti del perdono che non hai saputo trovare e per le parole della pace mai dette e ti ritrovi ferito delle stesse ferite che non ti fanno male al corpo. No, non nel corpo. Può darsi che trovarsi in guerra sia come vivere la dis-abilità nell’accezione dell’assenza di abilità. Imperfezione, mancanza, di mente, o di corpo o entrambi. Chi può dire cosa è peggio? Come se esistesse un livello di perfezione ereditabile, nel dna, per nascita, al quale non si può acceder grazie alle proprie abilità. È come se giocassimo ruoli in un gioco a livelli successivi in cui però il livello in cui ti trovi è blindato se per nascita non hai le chiavi per accedere a quello seguente. Le abilità diverse sono solo sulla carta. In realtà le abilità riconducibili al piccolo uomo comune sono poche e sono riconoscibili in questo bombardamento di silicone e acido ialuronico. Negli scatti di Alessio Mamo tolta perfezione a chi guarda, a chi guarda resta ancora molto da scoprire. e ti ritrovi ferito delle stesse ferite che non ti fanno male al corpo. No non nel corpo. Nudità, umiliazione dis-abilità. Resta comunque malagevole mettersi nei panni feriti di Manal, o di Moyad. Resta difficile perché le ferite del corpo sono ferite difficili da rimarginare e forse mai saranno cancellate nei solchi delle cicatrici; ma ancora di più lo sono quelle dell’anima che soffre la nudità, l’umiliazione e la dis-abilità e su queste ferite potremmo confrontarci a lungo. Sono ferite su meridiani e paralleli diversi, certamente, ma originano tutte dalla stessa radice. Potremmo confrontarle e forse rimanere a leccarcele. Leccarcele come davanti ad uno specchio quando ciò che guardi non ti piace. Non ti piace perché quell’immagine di te sei tu che l’hai determinata e ti giustifichi: “troppe notizie, e troppe immagini giungono dal web, ogni evento rimbalza e si ferma pochi istanti rimpiazzato da quello successivo”. Gli scatti di Alessio Mamo è vero si aggiungono ai mille che si propagano ogni giorno ma questi se li guardi bene, si propalano come in una stanza in cui sei solo tu tra le pareti e solo loro a diffondersi: non puoi non vedere, non puoi non sapere. Poi, dopo tutto, torni a casa. Lasci questa stanza e torni nella frenesia di ogni giorno però Ahmad con la sua palla, Yahed con la sua preghiera, Manal con la sua maschera protettiva, Yusef con la sua motocicletta ti hanno cambiato nel segno della speranza di poter recuperare una quotidianità di piccoli gesti che a te è garantita per caso. Ti hanno insegnato che l’uomo che vedi allo specchio, nudo, umiliato, dis-abile, l’uomo che sei, se sa recuperare il gesto minimo della speranza, ha recuperato tutto il resto del sé, della sua vita. E ti sorprendi a sorridere. ... MostraNascondi

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Gruppo Fotografico Luce Iblea

4 settimane fa

Di Fiorella Cappello © - Gruppo Luce Iblea [🔴]

“L’infinito istante” – Mostra fotografica collettiva del G.F. Luce Iblea

…La fotografia, al di là di tutte le spiegazioni critiche e intellettuali, al di là di tutti gli aspetti negativi che pure possiede, penso sia un formidabile linguaggio visivo per poter incrementare questo desiderio di infinito che è in ognuno di noi. - Luigi Ghirri
L’Uomo è un essere “finito”, limitato, in grado di conoscere solo ciò che gli è sufficientemente vicino da poter vedere e toccare. E’ proprio la sua limitatezza che lo conduce all’irrefrenabile aspirazione verso ciò che per lui è irraggiungibile, in una continua tensione verso l’infinito, nel tentativo di riuscire a intuire il rapporto tra la propria cognizione di spazio e tempo e i concetti assoluti di spazio e tempo. Come dice Ghirri, la fotografia può diventare una via da percorrere in questo cammino di desiderio e ricerca.
Il titolo scelto per la Mostra Collettiva “INFINITO ISTANTE”, titolo pure di un importante saggio sulla fotografia di Geoff Dyer, costituisce una figura retorica grammaticale, detta ossimoro, che accosta due parole riferenti concetti contrari che, accostati, generano un nuovo significato con effetto paradossale, carico di energia poetica.
In questo caso, l’espressione ci rimanda immediatamente al concetto di TEMPO. L’enciclopedia Treccani dice che il tempo è “L’intuizione e la rappresentazione della modalità secondo la quale i singoli eventi si susseguono e sono in rapporto l’uno con l’altro” ma in tutte le epoche si è sempre cercato di spiegare il concetto di tempo con varie teorie filosofiche e psicologiche. Platone: forma immobile dell’eternità. Sant’Agostino: come «misura dell’estensione dell’anima» nel ricordo, nell’attenzione e nell’aspettazione (passato, presente e futuro) e così via…
L’Uomo ha spesso realizzato il suo desiderio di eternità con l’espressione artistica: musica, scultura pittura. La Fotografia ha dalla sua l’immediatezza del gesto che permette, anche se artificiosamente, quello che nella realtà è impossibile: fermare il flusso del tempo, catturare l’attimo, eternare il momento. Ma quale momento? Quello che ha senso per il fotografo o quello che ha senso per il fruitore? Quello mediato dallo stato d’animo, dalle nostre ideologie o quello oggettivamente osservato? Non tutte le fotografie hanno la caratteristica di evocare l’eternità dell’attimo ma lo sono di certo tutte quelle che riescono a rendere la nostra risposta, emotiva o sensitiva, temporalmente indefinibile, sospesa fra il passato e il futuro.
Ogni fotografia racconta la sua storia e la storia di chi l’ha realizzata: l’attesa, il ricordo, l’amore paterno, la nostalgia, la religiosità ma anche lo spirito della natura, il gesto atletico come superamento dei propri limiti. Ogni scatto presente nella Mostra rappresenta, riproduce e racconta un attimo di stupore.
L’attimo catturato esce dalla sua temporalità e si consegna all’eternità. E lo fa rappresentando tutti quegli istanti che lo hanno preceduto e seguito, ciclicamente. Lo fa rappresentando un istante unico e irripetibile nell’esperienza del singolo. Lo fa assegnando a quell’istante il carattere di valore universalmente riconosciuto. ... MostraNascondi

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